Egon Schiele, el pintor que desvistió el arte

Por Haydée BARCIELA @noevendogs

 

Egon Schiele: La muerte y la doncella, una película biográfica dirigida por Dieter Berner, que narra -con todos sus matices y rupturas- la corta vida del pintor Egon Schiele, marcada por una profunda fascinación con los cuerpos femeninos y la sombra de la muerte; y su prolífica obra en ocasiones censurada debido a la carga de erotismo y sensualidad con la que trabajó y a la edad de algunos de sus modelos.

 

FICHA TÉCNICA

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Cartel de la película “Egon: la muerte y la doncella”

Título internacional: “Egon Schiele: la muerte y la doncella”
Año: 2016
País: Austria, Luxemburgo
Duración: 109′
Director: Dieter Berner
Guion: Dieter Berner, Hilde Berger
Música: André Dziezuk
Género: ficción
Fotografía: Carsten Thiele
Reparto: Noah Saavedra, Maresi Riegner, Valerie Pachner, Marie Jung, Elisabeth Umlauft
Productora: Novotny & Novotny Filmproduktion, Amour Fou Vienna, Seidl Film Produktion

 

SINOPSIS

Un joven y provocador Egon Schiele (Noah Saavedra) revoluciona la sociedad vienesa de principios de siglo XX con un arte cargado de erotismo y fugacidad.

Esta biografía ficcionada (biopic) del pintor expresionista es un recorrido tanto por sus dramas personales como por su prolífica producción artística. Bajo la dirección de Dieter Berner y basada en el texto biográfico homónimo de Hilde Berger -que a su vez fue la co-guionista de este proyecto-, la película narra la vida de Egon Schiele: uno de los artistas más provocadores de la ciudad de Viena. Sus cuadros – de un gran erotismo- en muchas ocasiones son tachados de pornográficos. Su vida estará marcada por un miedo irracional a las enfermedades venéreas (tras morir su padre por sífilis) que condicionará su relación con las mujeres con las que establece vínculos amorosos.

Su obra girará en torno a sus musas: Gerti (Mariesi Riegner)-su hermana, con la que mantiene una relación que raya en el incesto-, Moa (Larissa Breidbach), Wally (Valerie Pachner)- quien aparece en el cuadro «La muerte y la doncella» y finalmente su esposa Edith, con quien contrae matrimonio al ser reclutado tras el estallido de la IGM. Obsesionado con la muerte, Egon la encontrará prematuramente, víctima de la llamada gripe española -una pandemia que mató en 1918 a más de 20 millones de personas, sobre todo en Europa- dejando atrás un legado de cerca de 300 pinturas al óleo, y más de 2.000 dibujos y acuarelas.

 

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Escena de Egon Schiele: La muerte y la doncella. Wally posa para Egon en su estudio

 

“No hay arte nuevo, solo artistas nuevos”

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Fotograma. Egon ofrece su tarjeta personal a Moa, que se convertiría en su modelo

Este filme está ambientado en los años de la Belle Epoque, periodo comprendido entre 1871 y 1914, más concretamente tras la contienda franco-prusiana y el estallido de la Primera Guerra Mundial. La acción arranca en Viena en 1918. El arte dominaba la vida social y cultural. La burguesía frecuentaba los bares, cabarés y galerías de arte. Todo ello queda perfectamente retratado en la película. Egon, tras haber sido expulsado de la Academia, se convertirá en el líder de un nuevo movimiento que se estaba gestando en la capital austríaca . En una de las escenas iniciales, el pintor, reunido con dos de sus colegas artistas afirma que se trata de un movimiento de «Artistas nuevos», no de un «arte nuevo» “No hay arte nuevo, solo artistas nuevos”

 

El arte desnudo de Egon Schiele

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Fotograma de la película. Egon retratando a Wally desnuda

 

El personaje de Egon, interpretado magistralmente por el debutante actor chileno Noah Saavedra, encarna la figura a la vez voluble y magnética el pintor. Consigue transmitir al espectador la visión del mundo que tiene un artista que vive exclusivamente para su arte, y lo sobrepone a todo lo demás: a sus relaciones personales, sus sentimientos y así mismo.

Lo cierto es que sus cuadros con mujeres desnudas –siempre en posiciones inusuales–, la muerte, el dolor y sus dramáticos autorretratos, dinamitaron el conservadurismo de la sociedad en la que le correspondió vivir. Solo otro artista austriaco, Gustav Klimt, consideraba excepcional la estética de Schiele, a quién confiesa : “Me gustaría ver los rostros como los ves tu” Los dos más tarde se encontrarían en la Secesión, un movimiento que rechazaba los parámetros de la academia.

El título de la película se debe al cuadro homónimo y posiblemente más reconocido del pintor “La muerte y la doncella” (1915). En este lienzo el pintor se retrata con Wally Neuzil, su musa y su gran amor, un personaje central en su vida y en la película. Es el adiós artístico a su amante Wally, un último abrazo desesperado.

 

 

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Egon Schiele, “La muerte y la doncella” (1915)

 

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Fotograma de la película representando “La muerte y la doncella”

 

Uno de los rasgos más llamativos de la película es que el relato se cuenta fundamentalmente a través de varios flashbacks de larga duración, lo que facilita al espectador seguir la historia, asimilando grandes bloques de contenido ininterrumpidos, sin que esto suponga una ruptura con el hilo argumental. Con esta estructura narrativa se establece un dualismo entre juventud y enfermedad, vida y muerte, conceptos que se funden en un abrazo erótico a lo largo de la vida de Schiele.

Es remarcable el trabajo de fotografía, que consigue situar al filme en el momento histórico en el que se desarrollan los hechos, entre 1910 y 1918. Con una recreación muy cuidada de la escenografía, el vestuario y la atmósfera de la época, profundizando en el entorno en el que se movía Egon.

En el filme observamos numerosas referencias artísticas, desde los propios bocetos, dibujos y cuadros de Schiele, algunos grabados japoneses que influyen el arte expresionista, y la presencia de Klimt, uno de los pocos que valora el estilo de Egon, hasta el Pabellón de la Secesión, símbolo del modernismo vienés. Aún así, no atendemos a un alarde de exhibición artística sin justificar, como es el caso de otras películas que intentar abordar el tema del arte sin que haya detrás una historia que contar.

Un elemento central en la película, es, en mi opinión, el significado del espejo que utiliza Schiele para sus retratos y autorretratos. El pintor pide a las modelos que no lo miren a él, que se busquen ellas mismas en el espejo. También en este espejo, que tomó prestado de la casa familiar y colocó en su estudio, Egon busca el reflejo de la decadencia en sus autorretratos.

 

Conclusiones

Noah Saavedra (au centre), personnages
Escena final de la película. Egon expone su obra tras la muerte de Wally.

Con respecto a otras películas que se han hecho sobre el controvertido artista vienés, en esta destaca el enfoque psicológico, la búsqueda de las motivaciones internas que llevan a Egon a desarrollar un determinado tipo de arte. La película se aleja del sensacionalismo y escándalo que causó (y causa) la obra de Schiele y la repercusión que tuvo en la sociedad vienesa, y en concreto en el escenario artístico. El director tampoco pretende hacer una exhibición exhaustiva de las obras del pintor, aparecen obras muy concretas, necesarias dada la importancia de las modelos retratadas en ellas. El espectador sólo conocerá la prolífica creación artística de Egon al final de la película. En otras palabras, podemos decir que el director no se centra en los detalles de su vida personal, ni en la obra. La película dirige el foco al artista. En definitiva, es una película que invita al espectador a conocer y a indagar en la vida y obra de un talentoso pintor, oculto por las convenciones sociales y aún juzgado y censurado 100 años después.

 

TRAILER DE LA PELÍCULA:

 

 


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