GUERNICA: 80 ANIVERSARIO DE UN ICONO UNIVERSAL DEL ARTE

Por Violeta IZQUIERDO @arteneaUCM

Del 4 de abril al 4 de septiembre de 2017, el Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid presenta la exposición Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica, una muestra concebida de forma específica para celebrar el 80 aniversario de la creación del impactante mural, de Pablo Picasso. Un cuadro icónico para el arte contemporáneo, que sigue conmoviéndonos por su visión de la guerra moderna y el drama de la muerte de los inocentes.

24
El Guernica, 1937, en el Museo Reina Sofía

La imponente exposición gestada desde el Museo Reina Sofía bajo la dirección de Manuel Borja-Villel y Rosario Peiró y comisariada por Timothy James Clark y Anne M. Wagner reúne una selección de cerca de 180 obras procedentes de los fondos del propio museo y de más de 30 colecciones privadas e instituciones de todo el mundo, como el Musée Picasso y el Centre Georges Pompidou, de París; la Tate Modern de Londres; o el MoMA y el Metropolitan Museum de Nueva York. La mayoría de estas obras corresponden con el período de trabajo realizado por Picasso en los décadas previas a la ejecución del mural en 1937.

foto 11
Pablo Picasso, las tres bailarinas (1925) procedente de la Tate Modern, Londres.

La muestra se articula en torno a un conjunto de piezas claves de los años 20 y 30 en las que intenta mostrar la metamorfosis que experimentó el arte picassiano desde sus investigaciones cubistas hasta la búsqueda de una nueva imagen del mundo en aquella época convulsa que vivió Europa en el periodo de entreguerras: la guerra civil española y la II Guerra Mundial. Organizada en torno a importantes conceptos visibles en las obras que Picasso realizaba en aquellos momentos, encontramos salas diferenciadas con ideas como Belleza y terror, que marca la llegada de la extravagancia, la oscuridad y el desmembramiento de los cuerpos y descubrimos ejemplos como Las tres bailarinas  (1925), un grupo de mujeres desnudas dentro de una habitación con las paredes empapeladas, bailan con las manos entrelazadas en una frenética y estrambótica danza. Cuerpos descoyuntados violentamente en una atmósfera de humor cruel alejándose del cubismo decorativo anterior.

La sección Monstruos y Monumentos reúne algunos de los ejemplos más imponentes de esos nuevos cuadros que realiza a principios de los años treinta. Figuras al borde del mar (1931) nos muestra dos figuras gigantescas y monstruosas que se abrazan o se devoran con sus afiladas y agresivas lenguas en un espacio mediterráneo.

60-figuras-a-orillas-del-mar-1931
Pablo Picasso, figuras al borde del mar, 1931. Obra procedente del Museo Picasso de París.
20
Pablo Picasso, cabeza de mujer llorando con pañuelo, 1937. Museo Reina Sofía.

En la sala Mater Dolorosa, las lágrimas de las mujeres se convierten en lenguas que centellean como cuchillos por sus mejillas, obras como Cabeza de mujer llorando con pañuelo (1937), nos descubren la desesperación, el drama y el dolor. Mujeres como fuerzas activas del mundo cotidiano de la guerra, madres cuyos hijos se desangran y mueren en sus brazos.

En total un conjunto de diez salas, cuyo epicentro es el Guernica, un lienzo que desde 1937 y para varias generaciones de todo el mundo, se ha convertido en “la escena trágica de nuestra cultura” según T.J. Clark, uno de los comisarios de la exposición.

Nosotros aprovechamos esta excelente oportunidad para hacer un recorrido por los hitos que marcaron la historia, la gestación, la creación y el significado de la obra más emblemática del siglo XX.

Antecedentes del Guernica

En 1935 Picasso realizó un enigmático grabado titulado Minotauromaquia, obra sintética que condensa en una sola imagen los motivos y símbolos del universo del pintor y que ocupa un lugar central en su producción. El Mito del Minotauro se fusiona con la corrida, uniendo el emblema y la ficción con su propio sentido de la vida. El Minotauro avanza, en actitud amenazadora con el brazo levantado hacia una niña tocada con una boina que sostiene en sus manos una vela y un ramo de flores. Entre ambas figuras una yegua herida lleva en el lomo a una mujer torero con los senos desnudos y el perfil de Marie-Thérèse Walker. A la izquierda un hombre barbudo huye subiendo por una escalera de mano. En la ventana de una torre, en cuyo alfeizar se han posado dos palomas, aparecen los rostros de dos mujeres que contemplan la escena, símbolos de la paz y el amor. A lo lejos se divisa un velero en el mar. Semejante acumulación iconográfica desafía cualquier análisis. Combate entre la luz y las tinieblas, el bien y el mal, la vida y la muerte, en la que aparecen cuatro identidades hombre-toro-mujer-torero.

minotauromaquia
Pablo Picasso, Minotauromaquia, 1935. Grábado, Museo Picasso de Barcelona.

En julio de 1936 estalló la guerra civil en España y la fidelidad del pintor por la causa republicana y el odio por Franco le inspiran en 1937 dos grabados titulados Sueño y mentira de Franco I y II, en los que recurre a elementos relacionados con la iconografía taurina y en las que esboza figuras que luego desarrolla en el repertorio del Guernica. Las 18 escenas van encuadradas y alineadas como los aleluyas, historietas muy populares en los siglos XVIII y XIX que se consideran antecesoras de los cómics actuales. Las imágenes denuncian la guerra en general y más explícitamente critican a Francisco Franco. Algunas son caricaturas satíricas del general, de gusto grotesco y casi escatológico, mientras que otras son alegorías sobre la crueldad y los males de la guerra. En una de las viñetas Franco es representado vestido de mujer de dudosa reputación, con mantilla; en otra, adora un relicario que contiene una moneda de 1 duro. En otras viñetas, el general aparece representado con un falo gigante y botas y como una criatura con cabeza de patata, por influencia de la obra teatral Ubu rey de Alfred Jarry. En otras viñetas aparecen luchando un caballo y un toro, figuras que reaparecerán en el Guernica. Estos grabados se vendieron en la exposición de París de 1937 para obtener fondos en favor de la República Española.

 

Historia del cuadro

El pabellón de España en la Exposición Internacional de París, 1937

Entre el 25 de mayo y el 25 de noviembre de 1937 se celebró en Pa­rís la exposición international «Artes y técnicas de la vida moderna». España concurrió con un pabellón realizado por los arquitectos José Luis Sert y Luis Lacasa. El edificio fue concebido como un contenedor vacío, casi sin paredes. Tenía tres plantas de altura, y la planta baja comunicaba con un patio que ocasionalmente era cubierto con una lona, haciendo la función de auditorio. A la primera planta se accedía por una escalera y a la segunda mediante una rampa, aunque también había un acceso en vertical dentro del edificio. Construido en un tiempo récord, tuvo que adaptarse a un terreno irregular, con pendiente y debiendo respetar los árboles del entorno.

21
Maqueta del Pabellón Español en la Exposición Internacional de 1937, obra de José Luis Sert y Luis Lacasa

Aunque el contenido del pabellón no fuera exclusivamente una exposición de artes plásticas, acogió una muestra bastante amplia de lo que se estaba haciendo en España y contó con algunas obras maestras como La Montserrat de Julio González, El payés catalán en rebeldía de Joan Miró, Cabeza de mujer (1932), La mujer del vaso (1933) y Busto de mujer (1932), tres escul­turas de Pablo Picasso o la Fuente de mercurio, de Alexander Calder, fotografías, etc.

o
Reproducción de la obra original de Alberto Sánchez, El pueblo español tiene un comino que le conduce a una estrella, 1937. Entrada al Museo Reina Sofía.

A la entrada del citado pabellón se encontraba la gran escultura El pueblo español tiene un camino que le conduce a una estrella de Alberto Sánchez, de doce metros de altura (de esta obra hay una copia en el exterior de la entrada principal del Museo Reina Sofía de Madrid y otra, a escala reducida, en la Plaza de Barrionuevo de Toledo). En esta escultura, Alberto aplicó un «título-proclama» político que ponía de relieve, desde un punto de vista socialista, el drama y el dolor de un pueblo inmerso en una Guerra Civil. Asimismo, la obra fue concebida como una reafirmación de la vanguardia frente a los que defendían un arte de compromiso político ligado al realismo. La obra definitiva se alza como un icono totémico representativo de las utopías sociales de entreguerras, y da sentido al interés de Alberto por la verticalidad y por el potencial significado social de elementos procedentes del mundo rural. La obra original despareció después de la guerra a pesar de su tamaño.

Creación del Guernica

29
L´Humanité, 28 de abril de 1937

En enero de 1937 el gobierno de la II República Española encargó a Picasso a través del Director General de Bellas Artes, Josep Renau, un gran lienzo para la exposición universal de París, con el fin de atraer la atención del público a la causa republicana durante la Guerra Civil Española. Los primeros estudios para la obra datan de abril de 1937, son dibujos sobre papel azul. Poco después estalló el drama del bombardeo de Guernica, localidad vasca, bombardeada el 26 de abril por los aviones de la legión Cóndor, protagonizando la primera gran masacre de civiles de la época contemporánea. Picasso conoció este hecho por la prensa y las fotografías aparecidas en el periódico L´Humanité el 28 de abril.

El primer esbozo del cuadro se inició el 1 de mayo y finalizó el 4 de junio (tardó 5 semanas) un tiempo breve para una obra tan monumental y compleja desde el punto de vista formal y del contenido. Fue trasladado al pabellón a finales de junio y hasta el 12 de julio se inauguró con cierto retraso con respecto a la apertura de la exposición. Podemos conocer su evolución gracias a las fotografías que tomó por entonces su amante Dora Maar. Ella documentó la metamorfosis de la pintura desde sus primeros esbozos, las fotografías fueron publicadas en el número monográfico especial de la revista Cahiers d´Art que Christian Zervos dedicó al Guernica.

guernica043
Fotografías de la evolución del Guernica, tomadas por Dora Maar

Descripción iconográfica del cuadro

El Guernica es un mural de grandes dimensiones 3,50 m de alto por 7,80 m de largo. Un conjunto de figuras organizadas en triángulos en el que se reproducen 6 seres humanos (la madre y el niño, 3 mujeres y el  guerrero) y 3 animales (toro, caballo y paloma).

Toro
El toro y la piedad

En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena. (referencia a la piedad de Miguel Ángel). La madre con el niño posee un rostro desgarrado y dolorido. La expresión del dolor lo consigue con la forma de los ojos y la boca desmesuradamente abierta. Extremó la esencia del dolor maternal.

Un poco a la izquierda una paloma agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido.

Caballo
Caballo

En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Otorga al caballo la más alta expresión del dolor visceral.

guerrero
Guerrero muerto

Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota. Un cuerpo desmembrado, descuartizado, que se convierte en el símbolo visual de la matanza. El brazo de la derecha lleva una flor y la empuñadura de una espada rota mientras que el otro brazo termina en una mano fuerte y callosa (metáfora del esfuerzo bélico), la cabeza del guerrero fue redondeada y tiene los ojos desmesuradamente abiertos.

ojo-sol
Sol-bombilla

Justo encima de este conjunto se encuentra el sol-bombilla, en forma solar oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. Una especie de ojo divino rodeado de picos en cuyo centro sitúa una bombilla eléctrica, combinando luz artificial y sol brillante.

El mujer en la caasa en llamasextremo derecho una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde, su cabeza echada hacia atrás, la boca abierta en un alarido y los brazos levantados en un patético gesto. Las áreas claras y oscuras y los picos irregulares lo hacen aparecer como una figura caída y ardiente, ante una casa envuelta en llamas. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad, que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía.

mujer

Para expresar la brutalidad humana y que los sentimientos quedasen tocados tuvo que recurrir a la fealdad, a la desmembración y el resquebrajamiento, al blanco y al negro.

Interpretación Simbólica del cuadro

foto 7
Toro, con aspecto orgulloso y desafiante

Si pusiéramos dentro de un colador, los caballos, toros, minotauros y mujeres que pinto Picasso hasta 1937 y como último ingrediente agregásemos un bote de pintura blanca y negra lo probable es que se colase esta obra. Sería el resumen simbólico de su obra. Ni en Guernica ni en sus bocetos se advierte nada identificable con la situación bélica de aquellos momentos en España. Picasso nunca dio, de palabra, una interpretación definitiva.

Es un cuadro ante el cual nadie queda indiferente, por ello ha pasado a ser obra fundamental del arte. Es mucho más que una obra de agitación política, Picasso era consciente de la trascendencia que tendría esa pintura en la historia del arte y realizó sus trabajos preparatorios de tal manera que es posible seguir exactamente la génesis de su creación. 45 estudios previos fechados y una amplia serie de fotografías tomadas en diferentes estadios de su evolución

En esta obra se no reivindica la crueldad de una masacre concreta sino que se convierte en un alegato contra la crueldad y la injusticia de la guerra y contra la barbarie. Se evita cuidadosamente toda referencia directa a una realidad contemporánea susceptible de ser identificada exactamente o a determinados grupos políticos.

El cuadro tuvo un gran impacto como denuncia de los horrores de la guerra. La fuerza que emana parece provenir de una profunda relación entre sus elementos y de que Picasso no se limitó a la “anécdota” de lo acontecido. Así su atemporalidad le dio universalidad, y la historia lo ha convertido en una dolorosa alegoría, premonición de la Segunda Guerra Mundial.

Algunos personajes tienen un carácter marcadamente enigmático:

  • El caballo agonizante, que lanza un grito al cielo y tiene una gran herida vertical ¿el pueblo sufriente?
  • El guerrero muerto, con una lanza en la mano (y que en la última versión sumó una flor, ¿la esperanza nunca perdida?
  • El toro, de aspecto orgulloso y desafiante, el único que no expresa dolor por la tragedia. ¿la esencia invencible del pueblo? o ¿el malvado fascismo?
  • La luz de la muerte (ciega) exige un ámbito de pesadilla nocturna: ojo-sol; día-noche; dentro-fuera.
  • La mujer que ilumina, desde la ventana ¿irradia esperanza?
lanza.jpg
Lanza rota con una flor

Elementos plásticos del cuadro

La composición es innovadora porque plantea una pintura de batalla a partir de tan sólo nueve personajes, con una estructura de pirámide luminosa central, compensada por dos ejes verticales a ambos lados del lienzo.

La pirámide –figura compositiva que se repite a lo largo de la tela- refleja las conquistas espaciales del Cubismo. Tiene su vértice en el centro de la composición, en el quinqué de la mujer que se asoma a la ventana, cuya luz irreal “ilumina” el caballo agonizante con la lanza clavada en el costado, el guerrero descuartizado a sus pies, y la figura femenina semidesnuda, que avanza desde la izquierda. En la semipenumbra queda un pájaro, herido, atrapado entre la mesa y el techo.

composicion en triangulos
Composición a base de triángulos

El eje izquierdo integra el toro y la maternidad, y el derecho, la mujer atrapada en el incendio. La escenografía se reduce a edificaciones, un suelo de baldosas, una mesa…El conjunto genera un espacio angustioso, acentuado por el tamaño de los personajes en relación a la arquitectura.

El color está resuelto en blanco y negro, con una gama variada de grises y algunos toques azulados. Tradicionalmente se ha atribuido a la monocromía al impacto que causaron en el pintor las fotografías periodísticas, en blanco y negro, de la matanza; no haya que olvidar, sin embargo, las litografías y aguafuertes que Picasso realizó por aquellos años. La ausencia le sirvió para acentuar el dramatismo.

La luz desigual, sin ningún realismo ilumina aquello que desea resaltar.

Estilo del cuadro

 El Guernica no puede ser adscrito a un estilo, sino que se erige como un compendio de la vanguardia artística de la primera mitad del siglo XX.

Picasso utilizó el Cubismo –el más radical de los lenguajes con que trabajaba- al servicio de los desdoblamientos. La simultaneidad de la perspectiva y las figuras. Las vistas frontales y de perfil de los rostros. Guernica fue pintado en blanco y negro, en la tradición técnica de los grandes planos geométricos cultivados desde la fase del cubismo decorativo.

Del Expresionismo: la fuerza dramática, la deformación de los cuerpos; la plasmación de rostros desdoblados, estirados y desmesuradamente crecidos.

Del Surrealismo: distorsiones espacio-temporales. 

Destino final del Guernica

Finalizada la Guerra Civil Española con la derrota del gobierno republicano el Guernica no volvió a España. En 1938, el marchante Paul Rosenberg organizó una exposición itinerante con el cuadro como principal atracción llevándolo a Oslo, Copenhague, Estocolmo o Reino Unido. Al terminar la itinerancia europea Picasso decidió que la obra permaneciera custodiada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) hasta que fueran restauradas las libertades democráticas en España.  Con la muerte de Franco, se inician las negociaciones con el MoMA para recuperar el mural, significativa fue la existencia de un documento que acreditaba el pago de 150.000 francos franceses por parte del gobierno de la República a pintor, para hacer los derechos de propiedad sobre la obra.  Volvió a España en 1981, y se instaló en el Casón del Buen Retiro (dependencia del  Museo del Prado, para las colecciones del siglo XIX y XX). Despertó entonces, una enorme expectación y miles de personas hicieron colas interminables para contemplarlo, adquiriendo así ese carácter de símbolo imperecedero que lo caracteriza.

lf_guernicallega2

En 1992, 11 años después de su llegada a España, el cuadro abandonó el Casón del Buen Retiro rumbo al Museo Reina Sofía, allí se encuentra desde entonces expuesto junto a 45 bocetos preparatorios en papel y lienzo. Se ha convertido en la obra icónica del museo en torno a la cual gira el resto de la colección.

Moralmente, la importancia del Guernica reside en que la voluntad popular lo hizo suyo de inmediato y le confirió el carácter universal. Personalmente, para Picasso era una muestra de su implicación política y de su creencia en el compromiso de la pintura con el devenir histórico. Técnicamente puede considerarse un magistral manifiesto artístico de las vanguardias, planteado con la máxima depuración: pocos elementos, escasos colores y una fortísima carga expresiva.

 

Anuncios

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión / Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión / Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión / Cambiar )

Google+ photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google+. Cerrar sesión / Cambiar )

Conectando a %s