Expresionismo abstracto: la emoción del color y el gesto cruzan el charco

Por Violeta GONZÁLEZ @violetagonzz

Desde el 3 de febrero hasta el 4 de junio  se expone en el Museo Guggenheim de Bilbao  la muestra más extensa realizada en Europa desde 1959 dedicada al primer movimiento de vanguardia puramente estadounidense, el Expresionismo Abstracto. Con más de 130 piezas, el recorrido por las figuras más representativas del movimiento bascula entre la contemplación emotiva y la violencia gestual.

El Expresionismo abstracto es considerada la primera vanguardia puramente estadounidense. Tras el éxodo de muchos artistas del París ocupado por los nazis en 1940, la efervescencia creativa se mudaría a la ciudad de la Gran Manzana. Buscando un arte nacional, el Grupo de Nueva York, que más tarde se conocería como el del Expresionismo Abstracto, buscó crear un nuevo modo de pintar, diferenciado de la vanguardia hegemónica de Europa hasta el momento. Grandes planos de color, pintura gestual, gotas, texturas y formatos gigantes en los que sumergirse. Desde el 3 de febrero el Museo Guggenheim de Bilbao expone una extensa muestra que hace un recorrido por las figuras más relevantes del movimiento neoyorquino. Se podrá conocer la heterogeneidad del grupo mediante más de 130 obras, entre pinturas, dibujos, esculturas y fotografías que cubren las paredes de la segunda planta del museo.

Los expresionistas abstractos no tienen un estilo cohesionado, pero sí unas características comunes, que son los grandes formatos y la abstracción alejada del racionalismo analítico Europeo o la abstracción figurativa de los expresionistas, sino más bien una mezcla de los dos, salvando las distancias. En sus dos tendencias más marcadas, la pintura de campos de color juega con una emotividad contemplativa, en la que el espectador se sumerge en las grandes superficies coloreadas viviendo una experiencia sinestésica que conecta la emoción con lo que percibe por la vista. La otra gran tendencia es la pintura gestual del “action paining” cuyo máximo exponente es Jackson Pollock, en la que la relación dialéctica del cuerpo del artista con la obra y el automatismo juegan un papel principal pasando el protagonismo, del resultado final, al proceso de pintar en si mismo.

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Jackson Pollock, Mural, 1943

 

 

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Los Irascibles, foto de Nina Leen, 24 de noviembre de 1950

Las visita se estructura comenzando con un primer bloque que habla de los que formarán la primera generación de “Los Irascibles”, aquellos protagonistas de la icónica foto que les dio portada en la revista Life en 1950 y que daría la fama definitiva al grupo. La primera sala muestra las obras tempranas de un Rothko aún figurativo, pero donde podemos ya apreciar la vibración de los colores, como en Interior (1936) o un Pollock en el que se adivina ya el gesto con Paneles Sin título A-D (1934-38) En esta sala se puede observar la etapa anterior a 1940, en la que se adivinan aún influencias externas antes de la ruptura definitiva con Europa, un primitivismo oscuro, un surrealismo vivo y muchas obras aún figurativas.

 

Tras esta pequeña introducción comienza la inmersión en la obra de cada artista, con una sala completa para cada uno. Comienza por Arshile Gorky, donde se puede ver su obra temprana con dibujos simbólicos a tinta de línea ondulante, pasando por el proceso de evolución de su estilo más colorido, siendo uno de los casos en los que no se abandona del todo la referencia de la realidad. Un ejemplo de ello es Agua de molino florido (1944) una composición orgánica y fantástica. Su pupilo, Willem de Kooning, le precede en la siguiente sala, donde se puede observar el gesto violento del brochazo, acercándose a la tendencia del “action painting”, en la que sigue un proceso parecido al de su maestro, centrándose en la interacción entre el espacio y la materia e interpretando sus recuerdos de la observación de la realidad. Sus composiciones orgánicas en las que la pasta se mezcla con blanco y se arrastra sobre la superficie pasan por fases en las que la figura femenina se deforma, la naturaleza explosiona y el simbolismo de los elementos se confunde, dando un resultado final violento y dramático. En una fase final el artista se abandona a la abstracción total con obras tan expresivas como Composición (1955), donde la superficie aparece empastada por arañazos de color, literal y figuradamente.

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Willem de Kooning, Composición, 1955

La explosión de color y pasión de los dos artistas surge en la sala contigua y rompe con la calma tensa de las obras de Franz Kline y su característica paleta monocroma. Con el blanco y el negro el pintor desgarra los espacios, jugando con los planos y el dramatismo de superficies oscuras y lúgubres o espacios blancos fracturados por formas negras. El juego fondo-figura se hace patente en obras como Sin titulo (1952) donde la impresión de rigidez vertical y horizontal juega con una textura y una gestualidad calculada por el pintor.

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Mark Rothko, Sin título, 1952-53

La siguiente sala se abre al visitante con la obra de Mark Rothko, máximo exponente de la pintura de planos de color. Las grandes superficies del lienzo coloreado en colores vibrantes se viven como una experiencia casi mística, en la que una observación prolongada y profunda hacen que la inmersión con la obra sea total. Una emotividad intencionada, donde los espectadores se presentan ante el cuadro y quedan atrapados por los amarillos brillantes, los rojos contrastando con azules y percibiendo las diferentes veladuras que hacen sus obras tan características e hipnotóticas. En el centro de la sala aparece Sin título (1952-53), de formato horizontal, a diferencia de su conocido formato vertical y de dimensiones gigantes.

La otra figura fundamental del movimiento neoyorkino cierra la primera parte de la exposición. Hablamos de Jackson Pollock, creador del “action painting”. El artista pintaba sobre sus lienzos colocados en el suelo con su famosa técnica del “dripping”, dando el resultado final de superficies caóticas, llenas de movimiento y dinamismo, como su famoso Mural (1943) del que el artista dijo que trataba de transmitir la emoción de la naturaleza, como una gran estampida. En todo el recorrido de la primera parte, especialmente en la sala dedicada a Pollock, se entremezclan también las esculturas de David Smith, que hace “pinturas en el aire”, mostrando la gestualidad y la línea abstracta mediante metal soldado, técnica de la que fue pionero en Estados Unidos.

En un segundo bloque se muestran las obras de los artistas de generaciones posteriores, donde se dedica una sala a Bernett Newman y Ad Reinhardt, cuyas obras tienen como protagonista indiscutible al color. Newman aparece ejemplificado por sus características “cremalleras”, franjas de color verticales que rompen el plano coloreado y cuyo buen ejemplo puede ser Ulysses (1952) donde la verticalidad es patente no solo en la ruptura del plano, sino también en el formato. Reindhart por su parte experimenta con el color de una manera inteligente. De los cuadros que se muestran llama especialmente la atención Pintura abstracta nº 23 (1963), que con el primer golpe de vista genera la impresión de tratarse de un cuadro completamente negro, en el que según se va observando, van apareciendo los diferentes tonos rojizos, azules y amarillos, conseguidos mediante veladuras de color.

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San Francis, Nubes negras, 1952

La siguiente sala reúne un compendio de artistas posteriores que siguieron experimentando con la emotividad y la gestualidad de la expresión abstracta, como Joan Mitchell con su colorido Te saludo, Tom (1979) donde la pasta y la combinación de colores forman una suerte de cuadro impresionista, como si se hiciese zoom en una obra de Monet. Otras experimentaciones giran a la oscuridad y el misterio como las de Motherwell o Sam Francis con su Sin título (Nubes negras) (1952), que genera una textura negra bajo la cual se intuyen brillantes rojos y azules.  Una pequeña sala muestra la participación de la fotografía en el movimiento artístico, tanto en cuanto a creación abstracta y testigo, donde se muestran fotografías tan icónicas como las que Hans Namuth hizo a Jackson Pollock creando sus pinturas de acción.

Como colofón final de la exposición, en una sala a parte el visitante se introduce en un impresionante espacio blanco, rodeado de las enormes obras de Clyfford Still. Los lienzos aparecen en orden cronológico, donde se puede apreciar su evolución, de unas composiciones más dinámicas y violentas, a otras más estáticas, todas ellas con sus características zonas de color aplicado con espátula en las que siempre se presencia un detalle al que dirigir la vista, como la obra que da portada a la exposición, PH-950 (1950), donde el amarillo se matiza con un elemento más claro y vertical, que rompe con la línea quebrada horizontal que transita al negro, también texturizado y roto por una pequeña mota rosa y una forma azul más orgánica.

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Clyfford Still, PH-950, 1950

 

Sin duda una extensa y compleja muestra de algunas de las figuras más representativas del Expresionismo Abstracto, que ahora cruzan el charco en sentido inverso al que lo hicieran las vanguardias tras la Segunda Guerra Mundial y viaja a Europa de la mano de la Royal Academy of Arts de Londres y que trae a Bilbao toda la emoción, violencia y expresión de los pioneros del arte de vanguardia estadounidense. Una experiencia hasta ahora difícil de vivir sin coger un avión y que se podrá ver hasta el 4 de junio.

 

DATOS ÚTILES:

Lugar: Museo Guggenheim de Bilbao

Dirección: Avenida Abandoibarra, 2 – 48009 Bilbao

Web: https://expresionismo.guggenheim-bilbao.eus/?_ga=1.110630018.641075225.1486586482

Fechas: Del 3 de febrero al 4 de junio de 2017

Precio: 13€ adultos, 7,5€ jubilados y estudiantes, niños gratis. Audio guía incluida.

Horarios: De martes a domingo de 10:00 a 20:00. Lunes cerrado.

 

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