“El artista y la modelo”: la importancia de la idea

Por Beatriz LÓPEZ @belopcas

En 2012, en plena crisis económica, el cineasta Fernando Trueba arriesgaba con el estreno de  ‘El artista y la modelo’, una película sobria, en blanco y negro, rodada en francés y con dos actores legendarias del cine europeo, Jean Rochefort y Claudia Cardinale. El film fue un homenaje a su hermano fallecido en 1996, el escultor Máximo Trueba.

Ambientada en la Francia ocupada de 1943, en la frontera con España, ‘El artista y la modelo’ nos presenta a un escultor hastiado de la vida que decide embarcarse en la creación de su nueva obra, cuando se encuentra con una joven campesina catalana que trabajará para él como modelo.

El argumento gira en torno al concepto de la belleza, tal cual la aprehende y manifiesta el artista. Para la transmisión de las emociones y sentimientos de su personaje, Jean Rochefort (Marc Cros) se sirve de su rostro firme, curtido y serio, cuya mirada permite al espectador trasladarse a su mundo interior. Por su parte, Aida Folch (Mercè) expresa, a través de su inocencia, ingenuidad y fragilidad, un miedo tras el cual se esconde una historia repleta de sufrimiento y huidas.

El guión, coescrito portadapor Fernando Trueba y Jean-Claude Carrière, quien fue colaborador de Luis Buñuel, permite mostrar el interior del protagonista a través de miradas tristes que encierran, a veces, sentimientos de añoranza y, otras, un vacío profundo. A pesar de ser una película donde el silencio y los pensamientos tienen mucho que decir, consta de un diálogo profundo y de una lírica existencialista que llega a cuestionar el génesis bíblica, ensalzando la figura y significación de la mujer. Además, alterna pequeñas pinceladas de humor, como la aparición de unos niños que quieren ver a la modelo desnuda o las breves intervenciones de Chus Lampreave, que formará para siempre parte del elenco de actores cómicos más relevante de este país.

En la película se intuye el uso del contexto bélico en un segundo plano, a modo de escenario inerte, lo que sirve al director para vincular la relación artista-modelo. Las dos Guerras Mundiales han provocado la apatía del escultor, que apenas tiene ya confianza en el género humano, y se refugia en su arte. La guerra sirve para que se denuncien los conflictos bélicos sufridos en España durante la Guerra Civil, y el resto de Europa durante la Segunda Guerra Mundial, y es eso lo que provoca gran parte de los diálogos entre ambos. Asimismo, de este contexto nace una subtrama que es desvelada en el momento adecuado, y que permite que no decaiga el pulso narrativo, fomentando la tensión dramática de la película.

Y es que, la historia no se detiene en el encuentro de una musa, sino que busca la idea perfecta, esa inspiración que no acaba de llegar, que tanto desespera al artista y a su modelo, pero que permite que la relación entre ambos consolide un nexo cada vez más fuerte. En este sentido, destacan las secuencias en las que conversan, permitiendo captar la evolución de esta relación en la que Mercè, inicialmente, se siente fuera de lugar, pero que, poco a poco, va entendiendo las inquietudes del escultor.

Otros dos factores que juegan un papel clave son la fotografía e iluminación, las cuales dan fuerza al argumento y, sobre todo, a la visión del artista acerca de su obra. No obstante, tras una primera escena en la que se echan de menos los tonos verdes y amarillentos de la frondosidad del bosque, uno puede llegar a sospechar que la elección del blanco y negro pudiera ser un simple capricho del director. El brillo de la luz del sol sobre la superficie del agua y la belleza de la naturaleza quizá habrían lucido más con una filmación en color.

Pero, la opción del blanco y negro, se desvela como acertada cuando el artista contempla por primera vez a su modelo. Una combinación de planos, aprovechando los claroscuros, y una perfecta administración de la luz, permiten, a través de un control del brillo y los contrastes, extraer una enorme belleza de los bocetos del artista y de las poses de su modelo. La mezcla de luces y sombras en una fotografía delicada, y la correcta colocación del ángulo de la cámara, ayuda a la captación de todos los detalles en los que el artista centra su atención. La intencionalidad de los elementos formales de este film, busca transmitir la pasión de un escultor que se siente insatisfecho por no haber alcanzado lo que él considera la perfección.

Los planos confluyen de manera acelerada en los primeros bocetos del escultor, para mostrar lo abrumado que se siente en ese momento. La naturaleza se muestra a través de planos generales, que permiten captar la majestuosidad de los paisajes, descubriendo un escenario en el que, a veces, la belleza nace de lo imposible. El cuidado encuadre se aprecia a lo largo de toda la película, pero, especialmente, en aquellos segmentos que recogen, a ambos lados de la pantalla, a los dos protagonistas en el taller del escultor.

Trueba homenajea también al cine más clásico a través del uso del iris, un recurso que se utilizaba en la primera época del cine. Con él cerrará y abrirá la lente de la cámara, dejando solamente visible el cuerpo desnudo de la modelo. Con un montaje libre de cualquier efectismo, el director consigue acentuar la sensación de monotonía y la vida ermitaña en la que se refugia el escultor.

Referencias artísticas 

La gran obra basada en Maillol

En una de las jornadas de trabajo, Marc Cros no puede reprimir su enfado con Mercè, quien cambia de postura continuamente, importunando la labor del escultor. Sin embargo, apreciando la nueva posición adoptada por la modelo, se da cuenta de que es la que realmente estaba buscando, la que quiere reflejar. Tras ello, le ordena volver a ponerse así para poder hacer esbozos de la misma. En ese momento, podemos observar a un artista pletórico que, al fin, ha logrado su objetivo. La posición, además, es la que aparece reflejada en la escultura “La mediterránea” de Aristide Maillol, realizada en 1905.

Evocación a Rembrandt

Poco a poco, y pese a la mala relación inicial, Marc y Mercè van estableciendo vínculos de confianza entre sí, hasta el punto en que, un día, Marc se abre a ella y le enseña un dibujo muy especial, “el dibujo más bello del mundo”, haciendo referencia a ‘Niño aprendiendo a caminar’, de Rembrandt. Pero, cuando Mercè lo observa, lo único que dice es “bonito”, Marc, enfadado, se empeña en mostrarle el verdadero significado de lo que tiene ante sus ojos y le ofrece una clase magistral de dibujo: “Se trata de un pequeño esbozo de Rembrandt, una obra maestra que no pretendía serlo”, insistiendo en la importancia de la idea: “¡Rembrandt aquí la tenía, vaya si la tenía!”.

Homenaje a Renoir

En otra de sus sesiones, y en clara alusión a la obra “Desnudo al sol” de Auguste Renoir, decide pintar a Mercè dentro el río. Esta escena demuestra la gran referencia que supone para el escultor la figura del pintor impresionista, puesto que el resultado de la obra de Marc cumple con los intereses de Renoir por los desnudos sensuales y opulentos, así como por los efectos de la luz sobre la piel.

Fernando Trueba ha sabido transmitir, en una película con tintes poéticos, el encanto de la sencillez, a través de una búsqueda incesante con la que el artista desea colmar su alma. La esencia de la perfección captada por el escultor, extraída de las formas del cuerpo femenino, es tratada con suma delicadeza. Entrelaza, además, tres grandes temas: el arte, la vida y la muerte. Si Mercè representa la juventud, la vida y el futuro; Marc Cros menciona en varias ocasiones la presencia de la muerte y el poco tiempo que le queda de vida; siendo el arte el nexo de unión entre ambos.

‘El artista y la modelo’ ensalza, sin duda, el arte y el acto de crear y buscar belleza, reflejando, finalmente, la fusión entre el mundo interior y el exterior.

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