Otra mirada al Guernica

Por Natalia PRESAS @NatPresas

“En aprender a pintar como los pintores del renacimiento tardé unos años; pintar como los niños me llevó toda la vida.”- Pablo Picasso

El 25 de Octubre de 1881 nacía uno de los artistas más significativos  del siglo XX, representante de una luctuosa época teñida de dolor por el terror de la guerra. Pablo Ruíz Picasso, pintor y escultor malagueño además de ser considerado uno de los padres del movimiento cubista creó más de dos mil obras que se encuentran repartidas por todo el mundo. Creció en el seno de una familia burguesa y desde temprana edad su familia se percató de que poseía un talento extraordinario.

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Pablo PICASSO (1881-1973)

“A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto”- Picasso.

En 1937, el Gobierno de la República española encargaba a Picasso un cuadro de grandes dimensiones (11 x 4m) con motivo de la Exposición Universal que ese mismo año se celebraría en París. La noticia de los bombardeos a manos de la aviación alemana de la Legión Cóndor sobre la población de Guernica impulsó al artista a ejecutar esta obra maestra, un grito contra la violencia y el horror de la guerra: El Guernica. Gracias a Dora Maar poseemos una ingente documentación del proceso creativo de esta obra. La artista surrealista y amante de Picasso, documentó la metamorfosis desde sus inicios además de ejercer cierta influencia sobre él. Según Dora, la idea de fotografiar el proceso fue del propio Picasso y gracias a ello constituye el trabajo mejor documentado sobre el proceso de la creación de una obra en la historia. Picasso enamoró perdidamente a Dora, convirtiéndola así en “la mujer que llora”, un símbolo de dolor que apareció en numerosas obras del artista.

El gran lienzo en grisalla se convirtió en el emblema del horror que supuso la Guerra Civil española además de una insignia antifascista.  Una obra caracterizada por su sobriedad cromática pero inundada por una desgarradora iconografía, cada motivo muestra la tragedia ligada a cualquier conflicto bélico y el sufrimiento que conlleva. Picasso no plasma ni aviones ni bombas en su obra, rechaza cualquier tipo de relación con la violencia como indica Paloma Esteban Leal (conservadora del museo Reina Sofía). Actualmente este trabajo puede encontrarse en este mismo museo (http://www.museoreinasofia.es/) pero durante el régimen dictatorial de Franco fue custodiado por el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MOMA) a petición de su autor hasta 1981. Tras 44 años del exilio de la obra, el cuadro estuvo expuesto en el Casón del Buen Retiro, un hecho que simbolizó la recuperación de las libertades democráticas y “el regreso del último exiliado”.

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El Guernica, 1937

El cuadro ha suscitado numerosas interpretaciones. El autor renunció al color utilizando la técnica conocida como grisalla otorgando así mayor dramatismo a la escena. Se trata de un cuadro sonoro, dónde los personajes gritan y sollozan de dolor. El expresionismo está presente en cada una de las figuras. Al analizar su iconografía encontramos una composición piramidal dividida en dos grupos: los animales y los seres humanos.

El grupo de animales se encuentra formado por un toro, un caballo y una paloma. Se ha interpretado que el toro puede ser un autorretrato del propio artista y se asocia con obras anteriores del autor, como “Minotauromaquia” (1935). A diferencia de este, la paloma es símbolo de la paz rota ante la barbarie. Por último, el caballo se muestra herido por lo que parece ser una lanza y está a punto de desplomarse. El segundo grupo se compone por un soldado muerto y varias mujeres. El soldado abatido sostiene una espada espada rota y una flor. Todas las féminas muestran actitudes dramáticas, una de las grandes preocupaciones del autor fue crear la expresión de dolencia en todos los rostros. A la izquierda del lienzo, encontramos la figura de la maternidad que sostiene a su hijo muerto, imagen que nos recuerda a la “Piedad” de Miguel Ángel, cómo el mismo dijo “En el arte todo se repite, un día es el amor y la vida, la madre y el hijo y otro día: La Piedad-. En la parte superior derecha, encontramos a otra mujer asomada a una especie de ventanal que soporta una vela como procurando iluminar la oscuridad avivada por la guerra. Además de otras dos mujeres, una que entra arrebatadamente a la escena y otra frente a una casa en llamas con sus brazos alzados.

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Asimismo, nos topamos con un símbolo misterioso en el centro del cuadro formado por una especie de bombilla con tulipa en forma de sol. Este hecho crea desconcierto sobre si la escena se desarrolla en un interior o exterior. Numerosos intérpretes hablan de que este icono está relacionado con el avance tecnológico de la época, que a su vez hizo posible el bombardeo a la villa vasca. Este elemento aparentemente secundario, preside la escena y a la vez la ilumina personificando a Helios. Según la mitología clásica, este dios recorría cada día el cielo encarnando al sol. Otra de sus significaciones revela que se trata del “Ojo de Dios” que captura el momento trágico representado en la escena.

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El autor hablaba de la eliminación de lo innecesario dentro de un formato repleto de representaciones, se implicó en el tema social y creó un alegato general contra todas las beligerancias. Supo mezclar el arte con el sentimiento, lo que le llevó a componer esta obra maestra que aludía al sufrimiento humano de un período lúgubre de la historia de España. Este cuadro está impregnado de rasgos surrealistas, cubistas, expresionistas… todos ellos propios de la época moderna. Picasso pasó por numerosas etapas estilísticas: la etapa azul, rosa, cubista  y finalmente surrealista. Constituye la máxima figura artística del siglo XX, no sólo por su inusitada técnica sino por ser un gran innovador. Nos dejó este regalo, un pedacito de él que inevitablemente nos invita a reflexionar acerca del pasado y del presente.

VIDEO: El Guernica en 3D


BIBLIOGRAFÍA:

DE LA PUENTE, Joaquín: El Guernica: historia de un cuadro, Sílex, Madrid, 2008.

ALIX. J: Guernica: guía informativa, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1997.

 

 

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