Bonnard, más allá de la luz y el color

Por David C. LIMA  @DLimaGuerrero

Más de 140 trabajos del pintor francés Pierre Bonnard permanecieron hasta el pasado 10 de enero en la Sala Recoletos de la Fundación Mapfre. La exposición, que incluyó material inédito en España, reivindicó el lugar del artista, situándolo como uno de los padres fundadores del arte moderno.

Gracias al aporte de más de treinta colecciones públicas y privadas, ha sido posible acercarse a la capital para descubrir el mundo de una de las figuras más decisivas en el surgimiento de las vanguardias artísticas del XX y, paradójicamente, de las menos reconocidas entre el gran público.  La colaboración de la Fundación Mapfre con el prestigioso Musée d’Orsay de París y los Fine Art Museums de San Francisco ha dado lugar a una retrospectiva del autor basada en más de ochenta pinturas, una docena de dibujos y medio centenar de fotografías.

La muestra se presentó en un recorrido rodeando el universo de Pierre Bonnard (1867-1947), con el fin de comprender cómo cada uno de sus pasos se vincula con el gran cambio que daría la pintura a partir de entonces. El trabajo que, como comisarios, han realizado  Pablo Jiménez Burillo, director cultural de la Fundación Mapfre, Guy Cogeval, presidente del Musée d’Orsay e Isabelle Cahn, comisaria científica, se reunió en un punto: evocar una reflexión hacia la importancia que tuvo el autor en el proceso moderno de evolución pictórica.

El hombre y la mujer, 1900

Auguste BONNARD  El hombre y la mujer (1900)

Un ser entre dos mundos

Ubicar a Bonnard  en la Historia del Arte supone hablar de un momento de transición, aquel que encontró espacio entre el movimiento impresionista de finales del S. XIX y el surgimiento de las vanguardias artísticas de comienzos del XX. Implica también acudir al simbolismo, dimensión a la que pertenecía el grupo de los nabis, -del hebreo, profetas-. Junto a Maurice Denis, Édouard Vuillard, Paul Ranson y Paul Sérusier, Bonnard formó un arte que trató de atravesar el mundo visible, en gran medida bajo la herencia pictórica de figuras como la del postimpresionista Paul Gauguin: un viaje hacia una dimensión más allá del color y la luz. Al que ocupó esta muestra de Mapfre, los otros lo bautizaron como el japonés.

El período que este nabi dedicó junto al grupo estuvo marcado por un profundo sentido decorativo y la simplificación de las formas representadas, dejando que lo que se restaba en representación del mundo real, se sumase a la proyección de otros mundos sutiles, trascendentes;         el interés por lo hermético, tan común en la bisagra de los siglos XIX y XX, se hace presente en su obra a través de la manipulación de la luz y el color representados en el plano. En palabras de Isabelle Cahn, comisaria científica de la muestra, “la realidad no le interesaba, creó un mundo idealizado a través del color y la composición”. Tan acentuado sería el intento por emitir sensaciones y atmósferas psíquicas frente a la física, que cada obra presentada en la exposición fue el resultado de un arduo modelado pictórico a través de años de trabajo.

Marthe en el barreño, 1908-1910

Marthe en el barreño (1908-1910) Copia fotográfica moderna

El arte rodea nuestras vidas…

Si algo quiso recalcar el pintor, en la misma línea de los otros nabis, fue que el arte está presente en todas las facetas de la vida, punto en el que radica su insistencia por llevar sus pinceladas a la cotidianidad; los cuatro paneles de Mujeres en el jardín representan este mensaje a la perfección, ya que, en un principio, fueron concebidos como cuatro partes de un biombo doméstico. Por otro lado, emerge la influencia nipona, presente en todo su carácter; el pintor rompe definitivamente con el espacio, tanto externamente, -en cuanto a que ya no hay fronteras para la ubicación del arte-, como internamente, algo reflejado en la ausencia de perspectiva de muchas de sus obras.

La planificación del trayecto diseñado por el equipo de comisarios obedeció a las temáticas que inundaron la producción del autor. Al contrario que en la corriente que trataba de captar mayoritariamente escenas externas al autor, como en la pintura paisajística de los impresionistas, en este caso se acude al encuentro de la propia intimidad, enfocada desde muchos puntos, a través del juego de variedades cromáticas. Los lienzos de Bonnard proyectan el círculo de amistades del pintor y a sus figuras más cercanas, de forma que se hace casi directo el contacto con el cúmulo de sensaciones representadas; un claro ejemplo es el de la pareja del artista, Marthe de Méligny, con quien compartió casi toda su vida y a quien retrató continuamente. Sus escenas son ventanas abiertas a momentos concretos, aparentemente bañados de una atmósfera común, pero detallados sin embargo de forma impecable, dando lugar a una enorme complejidad oculta. En la colección recopilada en la Sala Recoletos también se recogieron obras posteriores al período nabi del autor, donde realizó numerosos paisajes y paneles de enormes dimensiones basados en arcádicos mundos filtrados por su experiencia vital.

 

Uno de los puntos más atractivos de la exposición fue quizá la posibilidad de disfrutar con más de medio centenar de fotografías realizadas por el propio autor en un momento en que se había comenzado a comercializar las primeras cámaras, aportando a los nuevos creadores múltiples influencias y revolucionando el panorama de la representación pictórica. Pocas veces ha sido posible comparar el mundo físico a partir del que emergen las obras; en este caso, los visitantes pudieron comparar la misma escena tanto desde una Kodak de finales del XIX, como desde la psiquis de uno de los que trascenderán como guardianes de lo oculto, de la magia cotidiana convertida en arte: el profeta Bonnard.

 

 

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